L'antico e odioso detto che prevede l'identità della madre certa e quella del padre inequivocabilmente ambigua, pare trovare purtroppo una conferma in quell'improbabile mondo dello star system in cui note attrici, come Megan Fox, si trovano incinte senza che l'identità del genitore venga resa pubblica e senza che talvolta loro stesse ricordino con precisione le fattezze del gentile donatore.

Se il pancino esibito da Megan Fox lascia gran pochi spazi a dubbi e perplessità di sorta circa la terza gravidanza dell'attrice resa celebre da un fisco statuario e dalla recitazione in pellicole minori (Jennifer 's Body risulta quasi piacevole, se si cerca di non prenderlo troppo sul serio), i dubbi sono sorti dopo l'annuncio della separazione tra la Fox e l'ormai ex marito Brian Austin Green, anch'egli idolo delle teenagers, ma in un'altra epoca storica.

Se l'ex stella adolescente di Beverly Hills 90210 pare essere quasi per certo il padre dei due precedenti pargoli avuti dalla coppia (Noah e Bodhi), la rottura dell'unione avvenuta nel corso del 2015 suggerirebbe che la Fox abbia una nuova relazione o che i due abbiano deciso di tornare sui propri passi senza volerlo rivelare alla stampa.

Premesso che l'identità del padre del terzo figlio di Megan Fox riguarda solo lei ed eventualmente il nascituro e che l'ultimo obiettivo di questo articolo consisteva nell'alimentare dubbi e gossip transoceanici, il fatto che un'attrice ancora giovane e nel pieno degli anni decida di vocarsi in direzione della famiglia e di accantonare temporaneamente le velleità legate alla carriera mostra un lato umano della Hollywood stellata, purtroppo condito da quelle imperiture e odiose dicerie circa il fatto che la madre resti l'unico termine dell'unione dall'identità sicura, se non altro, quantomeno per antichissime ragioni di tipo biologico.

 

Nonostante la moda imperante di partorire remake e rivisitazioni dei grandi classici con una frequenza seriale, il ricorso alla pratica dovrebbe essere giustificato solo quando sono trascorsi ormai molti anni dall'originale e quando l'implemento di tecnologia in atto consente di rifare lo stesso film senza dare vita ad inutili doppioni.

Rientrano in entrambe le categorie le intenzioni della Disney di tornare a dare vita ad uno dei suoi grandi successi e di trasferire l'universo narrativo del Libro della Giungla in una veste fortemente hi-tech, dove ogni sequenza risulta girata secondo la moderna modalità della tecnica CGI, acronimo che denota la possibilità di impiegare il minor materiale umano possibile e di simulare gli animali presenti nella storia mediante l'impiego della computer grafica.

In uscita il 14 aprile, il “nuovo” Libro della Giungla si ripromette di conquistare tanto gli amanti della pellicola originale, datata 1967, quanto quel vasto pubblico di giovanissimi cresciuti a pane ed effetti speciali che potrebbe anche trovare noisoa (in modo sacrilego, intendiamoci) l'animazione di tipo classico e che si aspetta una grafica 3D di primissimo livello non appena varcate le porte della sala cinematografica.

Diretto da Jon Favreau, regista di Iron Man, il Libro della Giungla porta infatti un giovanissimo Neel Sethi ad indossare i panni di Mowgli e a misurarsi con universo interamente creato al computer, dove la parola “cast” si arresta alla soglia del doppiaggio, grazie alle voci di Bill Murray, Scarlett Johansonn e Ben Kinglsey e di Neri Marcorè,Toni Servillo e Violante Placido nella variante italiana.

Ideale tanto per un pubblico di famiglie quanto per gli impenitenti nostalgici dei fasti della Dinsey che fu, il Libro della Giungla si propone dunque di portare il concetto di remake ad un livello più alto o quantomeno giustificato da quel lasso temporale e da quell'implemento di tecnologia che ne rendono impossibile l'impietoso confronto con il film originale.

 

A pochi giorni dal rilascio del trailer ufficiale del suo primo spin off, “Rogue One”, l'eterna e sempre verde saga di Star Wars non poteva trovare uno spot migliore del trionfo, in parte annunciato, fatto registrare nel corso degli Mtv Movie Awards, kermesse cinematografica alternativa alla Notte degli Oscar, ma dal potenziale commerciale tranquillamente paragonabile.

La scelta di pubblico e critica della rassegna americana ha infatti incoronato "Star Wars: il Risveglio della Forza” come miglior film della passata stagione, condendo la vittoria con altri due premi, assegnati rispettivamente nella categoria “miglior rivelazione”, dove ha vinto Daisy Raidley, e nella categoria “miglior cattivo”, dove il periodo Kylo Ren ha sbaragliato agevolmente l'agguerrita concorrenza dei malvagi di cellulosa presenta agli Mtv Movie Awards.

Sfruttando la scia degli Oscar, bissa il successo Leonardo di Caprio, premiato in qualità di miglior attore per l'interpretazione survavalista di The Revenant, mentre l'altra metà del cielo hollywoodiano ha visto Charlize Theron incoronata per la sua performance in Mad Max: Fury Road, altro sequel postumo di una saga potenzialmente infinita.

Giusto per restare in tema di sequel e saghe, agli Mtv Movie Awards c'è stato spazio anche per Jurassic World, massacrato dalla critica a livello globale, ma tornato dalla notte americana con il premio per la miglior performance d'azione, a dispetto delle critiche e della derisione ad un filone che, forse, aveva già detto tutto con la prima pellicola originale di Spielberg.

Discreto successo anche per Deadpool che conquista due premi grazie all'interpretazione di Ryan Reynolds e alla miglior scena di combattimento, mentre Jennifer Lawrence conclude il suo periodo d'oro che le è valso l'Oscar per “Il lato positivo”, aggiudicandosi l'ennesimo riconoscimento per l'ultimo capitolo di Hunger Games.

Con il sipario che scende sull'ennesima rassegna cinematografica,  forte del consenso di un pubblico ampio e senza il bisogno del beneplacet di quel Red Carpet che ha visto l'Accademy snobbare in toto l'interessante Risveglio della Forza ad anni di distanza dalle produzioni precedenti. 

 

Il cinema e il mondo dello star system in generale si basano sulla presenza costante di attori e attrici giovani e belli, di modo da consentire un'immedesimazione ipotetica tra quanto mostrato sullo schermo e i desideri dello spettatore, ben lieto di entrare in piena simbiosi per un paio d'ore con Marty McFly e con le sue divertenti scorribande nel tempo.

Purtroppo, una volta usciti dai loro mondi di cellulosa, anche i divi di Hollywood diventano come i comuni mortali soggetti all'incedere di patologie in grado di devastarne il fisco e la mente, come nel caso dell'amatissimo Michael J. Fox, affetto da anni da una forma piuttosto precoce di morbo di Parkinson che ne ha minato alle basi al folgorante carriera e che rischia ora di condurre la vita dell'attore in direzione di un epilogo drammatico.

A soli 55 anni, Michael J.Fox si trova infatti vittima di una progressione della patologia che pare aver definitivamente aver compromesso le sue facoltà linguistiche e che è già riuscita a strappargli buona parte delle potenzialità motorie, andando a manifestarsi in una paralisi al piede sinistro che rende quasi impossibile la corretta deambulazione.

Se il peggioramento delle condizioni di Michael j.Fox non è purtroppo una sorpresa per i suoi medici curanti, i quali avevano previsto la dissoluzione delle facoltà motorie prima del compimento del 60esimo anno di età, la visione dell'attore già provato e sofferente ha prodotto un logico shock in tutti i suoi fan e in quell'infinito seguito di pubblico che aveva sognato di immedesimarsi con quel Marty McFly perennemente giovane e bello, anche dopo esser stato sottoposto a divagazioni temporali in grado di provocare un certo carico di stress in chiunque altro.

 

L'arte di creare spin off, prequel e sequel di una determinata saga cinematografica mostra quanto ogni filone narrativo possieda infinite sfaccettature e come ogni storia risulti scomponibile sulle esigenze di un dato personaggio di successo, cosa che si sta puntualmente verificando in merito al filone Star Wars, forse l'epopea più apprezzata della storia del cinema e sicuramente quella più ricca di spunti.

In attesa che la produzione si metta all'opera per confezionare l'ottavo capitolo dell'interminabile saga, arriverà infatti nelle sale cinematografiche Rogue One: A Star Wars Story, spin off della serie che narra di come i ribelli riuscirono a trafugare i piani della Morte Nera e che ripropone l'ambientazione galattica ormai diventata oggetto di culto planetario e la classica formula antologica che consente di sfruttare un nuovo filone fino all'esaurimento e di concedere al pubblico succulenti antipasti tra l'uscita di un episodio principale e l'altro.

Interpretato da Felicity Jones, Forest Whitaker e Diego Luna e diretto da Garteh Edwards, giovane regista britannico divenuto celebre con Mosters e Godzilla, il film uscirà il 16 dicembre prossimo, giusto a ridosso di Natale e giusto quando le famiglie tendono ad andare al cinema con maggior solerzia.

Senza conoscere ancora i dettagli di un'operazione top secret, pare che la produzione abbia riservato gradevoli sorprese ai fan di Guerre Stellari, inserendo qualche incursione dei personaggi principali all'interno dello spin off e portando i due distinti universi narrativi a comunicare tra loro con una certa frequenza, nonostante la dimensione temporale si collochi prima dell'inizio della vicenda classica e proponga un nuovo cast generato per intessere il filo conduttore che darà in seguito vita ai vari Luke Skywaler, Darth Vader e Obi-Wan Kenobi.

In attesa di poter assistere alla pellicola (per ora esiste solo un breve trailer), l'universo i Star Wars torna a prendere vita e con esso quell'infinita miniera d'oro rappresentata dalla possibilità di sfruttare fino all'esaurimento ogni filone di successo, andando a chiarine dinamiche secondarie o ad approfondire vicende già ampiamente note.

 

Anche se la legge in vigore nei paesi occidentali consente ormai da anni la legittima possibilità di divorzio (recentemente divenuto “breve”), chiunque sia incappato nella triste eventualità si sarà perfettamente reso conto dei costi umani ed economici della pratica, ormai divenuta appannaggio, nella sua accezione seriale, di tutti quegli attori e quei vip che possono permettersi lunghe collezioni di mariti, mogli e avvocati senza badare troppo al portafoglio.

Probabilmente in cerca di un record da inserire nel guinnes dei primati, l'attrice Drew Barrymore ha recentemente scritto al parola fine sul suo terzo matrimonio, durato per poco più di quattro anni; misura straordinariamente breve nella vita di un comune mortale, ma piuttosto lunga se paragonata alle precedenti unioni coniugali della Barrymore.

Tramite un comunicato congiunto rilasciato alla rivista People, la protagonista di “Mai stata baciata”, “Scrivimi una canzone” e di altre pellicole decisamente trascurabili (fatta eccezione per Donnie Darko e Scream) e il suo compagno Will Kopelman hanno annunciato la volontà di porre fine alle loro nozze, dalle quali erano nati due figli: Olivia di 3 anni e Frankie di 1.

Dopo il fallimento dell'esperienza coniugale con Jeremy Thomas, durata poco più di un mese, e quella con Tom Greeen, in grado di superare di poco la soglia dell'anno, Drew Barrymore saluta così il rapporto più duraturo della sua vita e si separa, di comune accordo, con il gallerista d'arte che pareva riuscito nel difficile intento di porre fine ai suoi sbalzi d'umore.

Destinata a concludersi in tribunale, la vicenda potrebbe avere costi non indifferenti per la ricchissima attrice Hollywoodiana, ma in fondo, pare che i divorzi seriali siano stati ideati proprio per la gioia di star desiderose di rincorrere un'eterna giovinezza e di tutti quegli avvocati perennemente in attesa di nuovi sviluppi sentimentali.

 

Tanto è emozionante e complesso il mondo delle corse automobilistiche, quanto le sue trasposizioni cinematografiche tendono generalmente a risultare caricaturali o piuttosto noiose (fatta eccezione per mostri storici come Le Mans o a recenti capolavori come Rush), ragione in base alla quale i film dedicati alle corse su quattro ruote tendono sempre più a ridursi a sporadiche incursioni di temerari registi, desiderosi di apportare qualcosa di nuovo ad un genere in via d'estinzione.

Senza la pretesa di voler riscrivere gli stilemi di settore, Mattero Rovere riesce tuttavia ad intrufolarsi tra piste, carriere spezzate e a parabole umane con una certa discrezione, dando vita a Veloce come il vento, pellicola che sfrutta il mondo delle corse per narrare una vicenda legata a riscatto e redenzione.

Liberamente ispirato alla storia si Carlo Capone, anche se lontano dall'essere un vero e proprio biopic, Veloce come il vento narra della resurrezione umana e sportiva di Loris De Martino (Stefano Accorsi), ex gloria dei rally e ora confinato ad un'esistenza dedita all'abbandono e alla tossicodipendenza, lontano dai riflettori e dagli affetti familiari.

Proprio la volontà di affermazione della sorellina Giulia nel mondo delle corse farà scattare in Loris la (ormai abusatissima) scintilla, utile a restituire al nucleo familiare ristretto la volontà di vivere e di vincere, a dispetto della gloria passata e delle delusioni presenti e a dispetto di quell'incredulità iniziale, senza la quale non esisterebbe il cinema.

Piuttosto scorrevole e a tratti persino emozionante, il film di Rovere pare disegnato in modo esplicito sul personaggio interpretato da Stefano Accorsi, attorno al quale le vicende convergono e finiscono per rispecchiarsi nei suoi mutevoli stati d'animo, nonostante l'ottima interpretazione della protagonista Matilda de Anglelis, rivelazione della pellicola, ma forse troppo subalterna rispetto al mostro sacro del cinema italiano d'inizio secolo.

Consigliato a chiunque ami le corse a prescindere dagli esiti delle infinite trasposizioni cinematografiche, Veloce come il vento riesce a risultare genuino e piacevole, pur senza rivoluzionare i canoni ormai stanchi di quel genere portato in auge da Le Mans e forse giunto all'apice delle sue sorti con Rush.

 

Se trovarsi ad essere “figli d'arte” è spesso occasione per impietosi paragoni, ma anche la chiave d'accesso allo star system, pare invece che avere un fratello famoso possa dare luogo ad inaspettate liti familiari, la cui casistica è andata recentemente ad ampliarsi con la continua diatriba umana e professionale tra Silvio e Garbriele Muccino.

Senza scomodare i numerosi precedenti storici (si pensi al disamore tra i fratelli Schumacher), pare che i rapporti tra i due registi sino infatti giunti ai minimi storici, come testimoniato dalla trasmissione tv L'Arena, dove Silvio ha accusato il fratello maggiore di essere una persona violenta e di aver addirittura rotto il timpano a sua moglie, la violinista Elena Majoni, con uno schiaffo di inaudita veemenza.

Premesso che chiunque, una volta posto con le spalle al muro, faticherebbe a scegliere tra avere un fratello violento o uno che va a confessare candidamente da Gilettii vicende private, il triste spettacolo andato in onda durante la domenica pomeriggio scorsa rafforza la tesi che prevede uno scarso feeling tra i due fratelli, affacciatisi a pochi anni di distanza l'uno dall'altro sui medesimi palcoscenici ed entrati rapidamente in rotta di collisione.

Senza mai dimenticare che l'esordio cinematografico di Silvio in veste di attore, avvenuto con la pellicola Come te nessuno mai è legato alla volontà di Gabriele di ritagliare un ruolo da protagonista al fratellino e di favorirne l'ascesa sul grande schermo, poi culminata con il passaggio dietro la macchina da presa, un minimo di competizione è inevitabile tra le mura domestiche, ma il limite tra i due Muccino appare ormai decisamente superato.

Tralasciando violenze domestiche, vere o presunte, lo spettacolo non certo edificante andato in scena all'Arena (mai nome fu più azzeccato) ripropone dunque la questione relativa ai parenti delle celebrità e al modo in cui accedono ai medesimi universi professionali, facendo tirare un solenne respiro di sollievo a tutti quei figli d'arte la cui preoccupazione maggiore è rappresentata da scomodi paragoni con i grandi dei tempi andati.

 

Identificato da un immaginario collettivo privo di fantasia con le sue iniziali vicende legate all'epopea dei Beach Boys e della loro volontà di convertire il mondo alle gioie del surf sulle spiagge della California, Brian Wilson è stato in realtà uno degli artisti più complessi e tormentati della rivoluzione rock a Stelle e Strisce e la sue inquietudini personali destinate a segnarne l'ascesa e la caduta all'interno dello star system.

Uscito nelle sale cinematografiche ieri, giovedì 31 marzo, Love and Mercy rappresenta uno sguardo intimo sulla vita del compositore che affida a due differenti volti (Paul Dano e John Cusak), il difficile compito di trasferire sul grande schermo le fasi più significative della carriera del cantante e fondatore dei Beach Boys.

Passando dai primordi musicali e giungendo al culmine con il duro periodo legato alla tossicodipendenza di Wilson, la pellicola diretta da Bill Pohlad ripercorre le tappe più salienti del lungo percorso e l'epopea di Pet Sound, senza mai risultare troppo prolisso o didascalico, ma tentando di umanizzare all'eccesso uno degli artisti più amati e controversi della storia americana e mondiale.

Pur con qualche aggiustamento finalizzato a rendere la vicenda più coerente alla narrazione del film come giustamente osservato dalla rivista Slate, il film cerca di offrire uno sguardo il più oggettivo possibile sulla vita di Wilson senza alzare i toni positivi nelle fasi legate all'ascesa dei Beach Boys e senza marcare troppo l'accento sui toni chiaroscurali definiti dalla nuova impresa solista del cantautore.

Consgiliato a tutti coloro che amano la musica e i biopic musicali, Love and Mercy risulta funzionale alla riscoperta di uno di quei miti americani ormai tanto insabbiati dal tempo e dalle rughe da venire associati, nell'immaginario collettivo, ai fasti del surf e dei primordi di un'industria che tentativa di sfidare i Beatles cavalcando le onde dell'oceano californiano.

 

In caso abbiate patito le pene dell'inferno nel assistere alla visione di Freddy vs Jason e vi siate domandati per anni cosa passasse esattamente per la testa dei produttori del film, desiderosi di far incontrare due mondi di fatto inconciliabili, il recente Batman v Superman: dawn of justice ha portato l'inquietudine ad un livello ancora più alto, complice la fama dei due supereroi protagonisti della pellicola.

Forse proprio per il clamore suscitato dalla strana idea, forse perché gli eroi mascherati non passano mai di moda, sta di fatto che Batman v Superman sta riuscendo nell'incredibile compito di mettere d'accordo critca e pubblico, sbancando i botteghini di tutto il mondo, senza che la stampa di settore si accanisca troppo sul nuovo strampalato colossal a Stelle e Strisce.

In un calderone cinematografico sempre più per famiglie e sempre più marcatamente pop che ha visto il ritorno sul grande schermo addirittura di Heidi, il debutto di Batman v Superman ha infatti scalato subito la classifica degli incassi nostrani, mostrando come il film diretto da Zack Snyder possa addirittura risultare piacevole, una volta spogliato di tutta la retorica che ha visto favorevoli e contrari combattere una lunga battaglia sulla carta stampata e su quella virtuale.

Tralasciando il comparto relativo agli effetti speciali, davvero eccellenti, il film è infatti riuscito a fare presa su un mondo occidentale sempre più desideroso di suddividere l'universo in “buoni” e “cattivi” e paradossalmente spiazzato dall'avvento di una pellicola in cui i confini tra vizio e virtù sfumano in modo discreto ed identificarsi con uno dei due giustizieri appare un'impresa disperata.

Consigliato a tutti gli appassionati di supereroi e a chiunque cerchi un pretesto per lamentarsi, il film non risulta essere in realtà un capolavoro, ma nemmeno quell'abominio che portò una quindicina di anni fa Freddy e Jason a dare vita ad uno spin-off in grado di demolire due saghe cinematografiche già messe alla rpova da una sfilza di inutili sequel.